Upcoming Fellows

Stephanie Pilat – Director of the Division of Architecture, University of Oklahoma – United States

Untitled

Under the leadership of Bruce Goff, Herb Greene, Elizabeth Bauer Mock, Mendel Glickman, and others, faculty at the University of Oklahoma developed a curriculum that emphasized individual creativity and experimentation in the postwar era. Known as “The American School”, the architects who emerged from Oklahoma have long been characterized as renegades due to their experimental work. Pilat will be working on a book that aims to share the story of the American School with a broader public audience.

La facoltà di Architettura dell’University of Oklahoma, sotto la guida di Bruce Goff, Herb Greene, Elizabeth Bauer Mock, Mendel Glickman e altri, sviluppò un processo sistematico per enfatizzare la creatività individuale e la sperimentazione nel dopoguerra. Conosciuti come "The American School", gli architetti usciti dall’Università di Oklahoma furono a lungo considerati dei ribelli a causa del loro approccio sperimentale. Pilat lavorerà ad un libro che mira a condividere la storia dell’American School con un pubblico più ampio.

Iris Karayan – Choreographer – Greece

Mutate (working title)

Iris Karayan will continue developing her recent work titled Unauthorised. She will direct her research towards a deeper investigation of the tools and practices she applies while copying, re-framing and mutating found movement material. Exploring the question of how the body is performed and seen, she will create work constructing choreographic scores that examine the relations between form and content, movement and narrative, address and performativity.

Iris Karayan intende continuare a lavorare al suo ultimo progetto Unauthorised. La sua ricerca si concentrerà sull’osservazione più approfondita degli strumenti e delle pratiche da lei utilizzati nel riprodurre, ricontestualizzare e modificare i movimenti che via via scopre. La coreografia che ne scaturirà intende esaminare la relazione tra forma e contenuto, movimento e racconto, parlato (impostazione) e performatività, cercando di comprendere come viene “performato" e visto il corpo.

Photo Whitney Browne

Abigail Levine – Choreographer – United States

Redactions

Abigail Levine will begin assembling the materials of Redactions, a multi-disciplinary work that takes the form of a book, an exhibition, and a staged performance. Redactions is an accumulation of stories told both in words and body that begins from a fanciful notion—what if we could ask an abstract form: what exactly are you saying? The work will premier at The Chocolate Factory Theater in 2021.

Abigail Levine comincerà ad assemblare il materiale per la realizzazione del suo progetto multi-disciplinare Redactions, che prenderà la forma di un libro, di una mostra e di una performance. Redactions consiste in una serie di storie raccontate con parole e gesti che scaturiscono da una idea fantasiosa – che cosa accadrebbe se io potessi chiedere a una forma astratta: che cosa vuoi dire esattamente? La prima è prevista per il 2021 alla Chocolate Factory.

Photo Ed Bock

Ranee Ramaswamy – Founder and Co-Artistic Director, Ragamala Dance Company – United States

Fires of Varanasi

For millennia, Varanasi—the earth’s oldest continuously inhabited city—has symbolized the crossing place between this world and the ‘far shore.’ As first-generation Indian-American choreographers, Ranee, Aparna, and Ashwini (mother and daughters) explore the birth-death-rebirth continuum in Hindu thought to examine immigrant experiences of life and death in the diaspora and the tenacity of people and cultures across time.

Varanasi, la più antica città abitata, ha simboleggiato per millenni il crocevia tra questo mondo e l’aldilà. Ranee, Aparna e Ashwimi Ramaswamy (madre e figlie) esplorano il ciclo di nascita, morte e rinascita del pensiero Hindu quali indiani-americani di prima generazione, per approfondire l’esperienza di vita e di morte degli immigrati nella diaspora e la tenacia dimostrata dalle genti e dalle culture nel tempo.

Photo Ed Bock

Aparna Ramaswamy – Co-Artistic Director, Ragamala Dance Company – United States

Fires of Varanasi

For millennia, Varanasi—the earth’s oldest continuously inhabited city—has symbolized the crossing place between this world and the ‘far shore.’ As first-generation Indian-American choreographers, Ranee, Aparna, and Ashwini (mother and daughters) explore the birth-death-rebirth continuum in Hindu thought to examine immigrant experiences of life and death in the diaspora and the tenacity of people and cultures across time.

Varanasi, la più antica città abitata, ha simboleggiato per millenni il crocevia tra questo mondo e l’aldilà. Ranee, Aparna e Ashwimi Ramaswamy (madre e figlie) esplorano il ciclo di nascita, morte e rinascita del pensiero Hindu quali indiani-americani di prima generazione, per approfondire l’esperienza di vita e di morte degli immigrati nella diaspora e la tenacia dimostrata dalle genti e dalle culture nel tempo.

Photo Ed Bock

Ashwini Ramaswamy – Choreographic Associate, Ragamala Dance Company – United States

Fires of Varanasi

For millennia, Varanasi—the earth’s oldest continuously inhabited city—has symbolized the crossing place between this world and the ‘far shore.’ As first-generation Indian-American choreographers, Ranee, Aparna, and Ashwini (mother and daughters) explore the birth-death-rebirth continuum in Hindu thought to examine immigrant experiences of life and death in the diaspora and the tenacity of people and cultures across time.

Varanasi, la più antica città abitata, ha simboleggiato per millenni il crocevia tra questo mondo e l’aldilà. Ranee, Aparna e Ashwimi Ramaswamy (madre e figlie) esplorano il ciclo di nascita, morte e rinascita del pensiero Hindu quali indiani-americani di prima generazione, per approfondire l’esperienza di vita e di morte degli immigrati nella diaspora e la tenacia dimostrata dalle genti e dalle culture nel tempo.

Gwen Welliver – Choreographer / Assistant Professor, School of Dance, Florida State University – Baryshnikov Arts Center Bogliasco Foundation joint Fellow, Van Cleef and Arpels Bogliasco Special Fellow in Dance

A Hell of a Woman

Welliver’s current work in progress, A Hell of a Woman — named for the 1954 novel by the bluntly experimental crime novelist Jim Thompson — is comprised of two solos performed by the same person at the same time. The conflict between doing and being twice at once explores the many ways that intersection can find new possibilities in the well-worn legacies of modernist abstraction.

Il progetto attuale di Welliver, A Hell of a Woman, che prende il titolo dal romanzo dello scrittore sperimentale di noir Jim Thompson pubblicato nel 1954, consiste in due performance da solista effettuate dalla stessa persona nello stesso momento. Il conflitto tra il fare e l’essere due cose allo stesso tempo approfondisce i diversi modi in cui l’intersezione riesce a trovare nuove opportunità all’interno della logora eredità dell’astrazione modernista.

Melody Cooper – Writer/Filmmaker – United States

Day of Reckoning

Playwright/Screenwriter Melody Cooper will adapt her award-winning stage play Day of Reckoning to a screenplay. Via a haunting mystery, Melody will explore the fascinating and tragic life of the mostly unknown and once infamous American labor activist Lucy Parsons.

Melody Cooper, drammaturga e sceneggiatrice, adatterà il suo pluripremiato Day of Reckoning per lo schermo. Attraverso l’uso di un’inquietante mistero, Melody approfondirà la vita affascinante e tragica, della quasi sconosciuta attivista e un tempo tristemente nota laburista americana Lucy Parsons.

Ludovica Fales – Filmmaker – Italy/United Kingdom

Ben Ti Voglio – a mixed media project in collaboration with Arianna Lodeserto

Ben Ti Voglio is a found footage journey into the personal ocean of Mirella Bentivoglio: visual poetry artist, art critic, feminist, mother, and creator of alchemic transformations in conjunction with the pleasure of wordplays. Lodeserto and Fales will explore some of the lives she lived, while imagining the next one.

Ben Ti Voglio è un viaggio attraverso le riprese video dell’universo personale di Mirella Bentivoglio: poetessa visuale, critica d’arte, femminista, madre e creatrice di trasformazioni alchemiche in congiunzione con il piacere di far giochi di parole. Lodeserto e Fales approfondiranno alcune delle vite da lei vissute, immaginandone la successiva.

Pauline Horovitz – Video artist and filmmaker – France

The Quick and the Dead

Pauline Horovitz will work on the writing of her first feature-length film script, The Quick and the Dead, a «documentary fiction» about Poland in the 1930s. The film weaves together stories from the past and the present, between different temporalities, and involves both fictional characters and contemporary individuals. Demonstrating the power of literature and cinema in action, the film strives to keep alive what and whom we fear we have lost.

Pauline Horowitz scriverà il suo primo copione, The Quick and the Dead, un «documentario fiction» sulla Polonia degli anni ˈ30. Il film intreccia storie del passato e del presente, tra temporalità diverse, coinvolgendo personaggi di fantasia e reali. Dimostrando il potere di letteratura e cinematografia in azione, il film cerca di mantenere vive cose e persone che temiamo di aver perso.

Jan Krawitz – Professor, Department of Art & Art History, Stanford University – United States

Batteries Not Included (working title)

Jan Krawitz will be editing a short, experimental film that explores and subverts the codified world of gender roles depicted in toy ads, instructional films, and newsreels from the early 1960s. Cleaving the original image-sound relationship into malleable units of shots, narration, and dialogue, the footage will be morphed and repurposed to challenge viewer complacency. Has gender socialization substantively changed in the interim five decades?

Jan Krawitz lavorerà al montaggio di un cortometraggio sperimentale che intende far conoscere e insieme sovvertire la realtà codificata dei generi così come venivano presentati nelle pubblicità dei giocattoli, nei film educativi e nei cinegiornali dei primi anni '60. Suddividendo l’originaria relazione suono-immagine in unità adattabili di riprese, narrazioni e dialoghi, il materiale girato verrà rielaborato per provocare l’attenzione del pubblico. Negli ultimi 50 anni è davvero sostanzialmente cambiata la socializzazione tra i generi?

Arianna Lodeserto – Filmmaker – Italy

Ben Ti Voglio – a mixed media project in collaboration with Ludovica Fales

Ben Ti Voglio is a found footage journey into the personal ocean of Mirella Bentivoglio: visual poetry artist, art critic, feminist, mother, and creator of alchemic transformations in conjunction with the pleasure of wordplays. Lodeserto and Fales will explore some of the lives she lived, while imagining the next one.

Ben Ti Voglio è un viaggio attraverso le riprese video dell’universo personale di Mirella Bentivoglio: poetessa visuale, critica d’arte, femminista, madre e creatrice di trasformazioni alchemiche in congiunzione con il piacere di far giochi di parole. Lodeserto e Fales approfondiranno alcune delle vite da lei vissute, immaginandone la successiva.

Philip Barnes (Classics) – Classics faculty, John Burroughs School / Artistic Director, Saint Louis Chamber Chorus, St. Louis (MO) – England/United States – John Burroughs Bogliasco Fellow

Singing Antigone: towards a new translation of Sophocles

The choruses of Sophocles' tragedy Antigone were intended to be performed as song and dance. This project takes the main choruses from the drama and recasts them in a form that consciously invites both music and movement. A similar technique is applied to the monologues of Creon, Ismene, and Antigone. This new translation seeks to expose the musicality of the original Greek without crowding out space for original music. This project is the culmination of collaborations begun two decades ago.

I cori nella tragedia Antigone di Sofocle erano pensati per essere cantati e danzati. In questo progetto di traduzione i principali cori del dramma vengono riadattati espressamente per sollecitare coscientemente musica e movimento. Una tecnica simile verrà applicata anche ai monologhi di Creon, Ismene e Antigone. Questa nuova traduzione mira a rivelare la musicalità dell’originale greco senza togliere spazio alla musica originale. Questo progetto rappresenta il culmine di una collaborazione iniziata venti anni fa.

Roberto Casati (Philosophy) – Senior Researcher with CNRS, Professor at EHESS and Director of Institut Jean Nicod (ENS, EHESS), Paris – France/Italy

Philosophy of the Ocean

Roberto Casati will be working on a project regarding the philosophical aspects of seagoing and sailing. The ocean is a hostile, unforgiving environment – almost a foreign planet on earth; its otherness is a source of intellectual challenges that are all the more urgent to address as we are losing it. Sailing practices provide a unique window into this intellectual complexity. Casati will harness his unique combination of expertise as a sailor, philosopher, and cognitive scientist.

Il progetto di Roberto Casati è incentrato sugli aspetti filosofici della navigazione a vela e d’alto mare. Il mare è un ambiente ostile che non perdona - quasi un pianeta sconosciuto sulla nostra terra; il suo essere diverso è fonte di sfide intellettuali rese oggi ancor più stringenti dal fatto che è un ambiente che stiamo perdendo. La pratica della vela offre una finestra unica su questa complessità intellettuale. Per sviluppare il suo progetto, Casati sfrutterà la sua combinazione unica di esperienze come velista, filosofo e scienziato cognitivo.

Robin Gorna (Literature-Scholarship) – Writer, Activist and Organizer – United Kingdom

Act Six: AIDS & Global Feminism

Robin Gorna will work on a final edit of her feminist memoir of the global AIDS crisis. Her story draws on the collective efforts of colleagues and friends over 3 decades to share lessons and inspire other social rights-based movements, especially those seeking to secure women’s rights to decide for themselves about their bodies. As countries lurch away from progressive agendas that respect human rights, ushering in cultures of hatred and blame, this project is tragically timely.

Robin Gorna sta lavorando all’ultima revisione del suo progetto biografico femminista sull’emergenza mondiale AIDS. La sua storia attinge agli sforzi collettivi di colleghi e amici compiuti negli ultimi trentanni per condividere esperienze e ispirare altri movimenti per i diritti sociali, in particolare quelli che rivendicano il diritto delle donne di decidere a proposito del proprio corpo. Questo progetto sembra essere particolarmente attuale, dal momento che le nazioni sembrano essere lontane da una agenda progressista rispettosa dei diritti umani, introducendo culture di odio e di colpa.

Wu Hung (Visual Arts-Scholarship) – Harrie A. Vanderstappen Distinguished Service Professor in Chinese Art History, Department of Art History and Department of East Asian Languages and Civilizations, The University of Chicago – United States

The Caves of the Thousand Buddhas at Dunhuang: Art Historical Perspectives

Art historian Wu Hung will be writing a book on the Caves of the Thousand Buddhas at Dunhuang. Constructed between the 4th and 14th centuries on the ancient Silk Road and consisting of close to 500 richly decorated rock chapels, these caves constitute the largest Buddhist complex in the world. The book will articulate a set of methodological perspectives to lay a new basis for further art historical studies of Dunhuang art.

Lo storico dell'arte Wu Hung si propone di scrivere un libro sulle Grotte dei Mille Buddha a Dunhuang. Costruite tra il quarto e il quattordicesimo secolo lungo l’antica Via della Seta, comprendono quasi 500 cappelle di roccia riccamente decorate e rappresentano il più grande comprensorio buddista del mondo. Il libro si propone anche di fornire una serie di metodologie su cui basare ulteriori studi sull’arte di Dunhuang.

Joseph P. McDermott (History) – Emeritus Reader in Chinese History, Faculty of Asian and Middle Eastern Studies, University of Cambridge – United States/United Kingdom

Alternative Chinas: Bondservants in Ming China

As part of his current project Alternative Chinas, Joseph P. McDermott plans to write up his research findings on a group of bondservants in sixteenth and seventeenth-century China. With the aid of neglected life-writings and other private documents he has unearthed in Chinese libraries, he will explore how these low-status men and women (usually concubines) often secured surprising power over their lives, and then discuss their reflections on their life experiences.

Joseph P. McDermott completerà la sua ricerca su una categoria di servitori nella Cina del diciassettesimo secolo come parte del suo più ampio progetto Alternative Chinas. Grazie a racconti di vita dimenticati e documenti privati rinvenuti in biblioteche cinesi, cercherà di comprendere in che modo questi uomini e donne (spesso concubini) di basso rango avessero spesso ottenuto di mantenere un forte controllo sulle loro vite, e poi discuterà le loro riflessioni sulla loro esperienza di vita.

Nell Painter (History) – Edwards Professor of American History, Emerita, Princeton University – United States

The History of White People for Dummies, Illustrated by the Author + Comments on American Whiteness since Trump

Nell Painter’s artist’s book project, The History of White People for Dummies, illustrated by the Author + Comments on American Whiteness since Trump, builds on The History of White People, the scholarly intellectual history of constructions of American whiteness from antiquity to the present that she published in 2010 and which became a New York Times bestseller.

Il progetto di Nell Painter è un libro di artista intitolato The History of White People for Dummies, illustrated by the Author + Comments on American Whiteness since Trump, basato su The History of White People, la storia intellettuale delle costruzioni dei bianchi americani dall’antichità ad oggi, da lei pubblicato nel 2010 e diventato un best seller del New York Times.

Roslyn Sulcas (Dance-Scholarship) – Dance Critic and Culture Writer, The New York Times – South Africa/United Kingdom

William Forsythe: It Can Start From Any Point (working title)

Roslyn Sulcas will work on the final section of her book on the choreographer William Forsythe, known for his radical extensions of ballet technique and convention, and for his theatrical and physical experimentation. Using an extensive series of interviews with Forsythe, which began in 1990, the book will cover the span of Forsythe’s career, from his choreographic beginnings at the Stuttgart Ballet in the 1970s, through his directorships of the Frankfurt Ballet and the Forsythe Company, to his recent return to pure balletic form.

Roslyn Sulcas lavorerà all'ultima sezione del suo libro sul coreografo William Forsythe, noto per il suo rinnovo radicale della tecnica e delle convenzioni del balletto, e per la sua sperimentazione teatrale e fisica. Usando un' ampia serie di interviste con Forsythe, iniziata nel 1990, il libro percorrerà l'intera carriera di Forsythe, dai suoi inizi come coreografo al Balletto di Stoccarda negli anni '70; alla direzione del Balletto di Francoforte e della Forsythe Company; fino al suo recente ritorno alla forma pura del balletto.

Shira Wolosky (Literature-Scholarship) – Professor of English and American Literature, Hebrew University of Jerusalem – Israel

Identity as Membership: Jewish-American Overlapping Communities

Questions of identity have become both more urgent and more fragmented in contemporary life, society, and politics. This project studies both theorists and writers at different moments of American history as each confronts and negotiates new configurations of Jewish and American communities in changing relationships with each other, exploring ways in which identities, seen as memberships pointing towards others, can overlap while remaining distinctive and committed.

Gli interrogativi riguardanti l’identità sono diventati più stringenti e frammentari nella società, nella vita e nella politica contemporanea. Questo progetto analizza il pensiero di teorici e scrittori in diversi momenti della storia americana e il loro modo di confrontarsi con il mutare della comunità ebrea e americana e l’evoluzione delle loro reciproche relazioni, studiando come le loro identità, intese come senso di appartenenza aperta, possano intersecarsi pur rimanendo tuttavia distinte e fedeli a loro stesse.

Judith Zeitlin (Literature-Scholarship) – William R. Kenan, Jr. Professor in Chinese Literature, The University of Chicago – United States

Voice, Text, Instrument: The Culture of Musical Entertainment in Early Modern China

Judith Zeitlin is writing a book on musical entertainment in sixteenth-and seventeenth-century China, which centered on the twin fashions of opera and courtesans. The book is structured around three thematic components: the singing voice, the musical text, and the musical instrument. Each category offers fruitful ground for thinking through the material and social aspects of music-making as reflected in plays, songs, poems, visual images, decorative objects, and other products of the period.

Judith Zeitlin sta scrivendo un libro sugli intrattenimenti musicali nella Cina del sedicesimo e diciassettesimo secolo, che erano incentrati sulla doppia moda dell’opera e dei cortigiani. Il libro sarà articolato in tre sezioni tematiche: la voce cantante, il testo musicale e lo strumento musicale. Ognuno di questi temi offre ricchi spunti per riflettere sugli aspetti materiali e sociali della produzione musicale così come avveniva nei drammi, nelle canzoni, nelle poesie e nell’arte visuale, negli oggetti decorativi e in altri manufatti del periodo.

Paul Carter – Professor of Design (Urbanism), RMIT University – Australia

The Diver: the Future of Memory

A book project inspired by the Greco-Lucanian La tomba del tuffatore (Paestum, Campania, Italy; c.480-470 BC). Since its discovery in 1968, the stylistically unprecedented fresco has inspired many interpretations; yet its very uniqueness means that its significance (then and now) remains enigmatic. What happens to the future of memory when few shared points of reference exist? Like the sudden appearance of the refugee, the Diver challenges us to develop new cultures of mutual understanding.

Si tratta di una pubblicazione ispirata da La tomba del tuffatore (Paestum, Campania, circa 480-470 AC) che, sin dalla sua scoperta avvenuta nel 1968, con il suo affresco stilisticamente innovativo, ha suscitato diverse interpretazioni: la sua unicità significa che il suo significato rimane (allora e oggi) enigmatico. Che cosa succede alla futura memoria quando esistono pochi punti di riferimento condivisi? Come la comparsa improvvisa del rifugiato, il tuffatore ci sfida a sviluppare nuove culture di comprensione reciproca.

Robert Cohen – Professor of English and American Literatures, Middlebury College – United States

Evening’s Empire: A Novel

Evening’s Empire is a novel about one pilgrim’s progress through a world of late capitalist piracy, strip-mined data, techno-solutionism, female rage, existential dread, and a number of other globalized pressures that seem ludicrously ill-suited to the form of the comic novel this one, ideally, will turn out to be.

Evening’s Empire è un romanzo che narra la storia di un pellegrino e del suo addentrarsi in un mondo di pirateria tardo capitalistica, di miniere a cielo aperto di dati, di tecno-soluzionismo, rabbia femminile, timori esistenziali e di tutta una serie di altre pressioni globalizzate che sembrano ridicolmente impropri per il genere del romanzo comico, genere a cui invece questo libro si rivelerà appartenere.

Bonnie Costello – Essayist and Literary Scholar, Boston University – United States

Changing Places

Bonnie Costello is building a collection of essays – part family history, part local description, part travel writing, and part meditation – on the topics of place, mobility, and transformation. All of these pieces blend her perceptions with historical and literary accounts, creating a layered gaze. Costello is interested in how an idea of place arises, not from one person's synoptic view, but from attention to the intersections of diverse paths and intensions over time.

Bonnie Costello sta completando una raccolta di saggi - in parte storia familiare, in parte descrizioni di luoghi, in parte scritti di viaggio e in parte meditazioni – su argomenti riguardanti luogo, mobilità e trasformazione. Tutti questi testi mescolano le sue percezioni con racconti storici e letterari, creando un punto di vista stratificato. Costello è interessata a come nasce un’idea di luogo, non dal punto di vista sinottico di una singola persona ma dall’attenzione all’ intersezione di differenti percorsi e intenzioni nell’arco del tempo.

Bruce Snider – Writer, Assistant Professor, University of San Francisco – United States

Bullet Point (tentative title)

Bruce Snider will work on a collection of poems that examines issues of faith, sexuality, and gender performance in the context of rural American gun culture. Poems engage subjects as varied as the history of the Remington rifle, his father’s civil war gun collection, Orlando’s Pulse nightclub shooting, and The Pink Pistols (a Minnesota-based LGBTQ+ gun club).

Brice Snider ha in progetto di lavorare ad una raccolta di poesie che approfondiscono le problematiche della fede, della sessualità e dell’interazione tra i generi nel contesto della cultura rurale americana delle armi. Le poesie affrontano tematiche più diverse, come la storia della pistola Remington, la collezione di armi della Guerra Civile appartenuta a suo padre, il massacro nella discoteca Pulse in Orlando (Florida) e i Pink Pistol (un club in Minnesota per i diritti al possesso di armi e della comunità LGBTQ).

Photo Carolyn Yarnell

Anthony Davis – Professor of Music, University of California, San Diego – United States

The Darkest Light in the Heart and Shimmer

Davis plans to develop two music theater projects. The Darkest Light in the Heart is an opera about the aftermath of the mass murders in Charleston, South Carolina in Mother Emanuel Church. Shimmer, with lyrics by Michael Korey, is based on Sarah Schulman’s eponymous novel about the struggle of two characters: a young lesbian who works in the newspaper business and a young African American World War II veteran who is an aspiring playwright during the McCarthy era.

Davis auspica di lavorare a due progetti teatro musicali. Il primo, The Darkest Light in the Heart, è un’opera che narra le conseguenze dell’eccidio di massa avvenuto a Charleston (South Carolina) nella chiesa di “Mother Emanuel”. Il secondo, Shimmer, con i testi di Michael Korey, è ispirato all’omonimo romanzo di Sarah Shulman che narra la lotta dei due protagonisti: una giovane lesbica che lavora nell’editoria e un giovane veterano afroamericano della Seconda Guerra Mondiale che aspira a diventare drammaturgo durante l’era di McCarthy.

Harold Meltzer – Composer – United States – Edward T. Cone Bogliasco Fellow in Music

You Are Who I Love

The poem You Are Who I Love, by Aracelis Girmay, is a paean to hard-working, noble, undocumented immigrants throughout the United States. During his residency at Bogliasco, Meltzer will be immersed in creating a full-evening setting of a revision and expansion of this text, undertaken by the poet, for choir and percussion. Premiere performances by The Crossing and Sandbox Percussion will take place in Chestnut Hill, PA and National Sawdust in Brooklyn.

La poesia intitolata You Are Who I Love di Aracelis Girmay è una lode ai nobili, grandi lavoratori e non censiti immigrati negli Stati Uniti. Durante la residenza a Bogliasco, Meltzer si dedicherà alla realizzazione di una versione riveduta ed ampliata, per la durata di una intera serata, di questo testo, sviluppato dal poeta, per coro e percussioni. La prima performance, eseguita da The Crossing and Sandbox Percussion, si terrà rispettivamente a Chestnut Hill, PA e National Sawdust a Brooklyn.

Camilo Mendez – Composer, Assistant Professor of Music, Hong Kong Baptist University – Colombia/Hong Kong

Cartography of Ephemeral Spaces for prepared ensemble

Camilo Mendez intends to develop Cartography of Ephemeral Spaces. The third component of the compositional cycle, Spatio–Temporal Cartographies, the piece will be scored using prepared musical instruments. Structurally, this work will consist of at least ‘seven spaces’ that can be performed in ANY order, but ALWAYS as a single movement.

Camilo Mendez lavorerà alla composizione di Cartography of Ephemeral Spaces che consiste nella terza parte del ciclo Spatio–Temporal Cartographies e verrà trascritta utilizzando strumenti preparati. Dal punto di vista della struttura, la composizione consisterà in almeno "sette spazi" da eseguirsi in un QUALSIASI ordine, ma SEMPRE come unico movimento.

Christopher Stark – Composer – United States – Aaron Copland Bogliasco Fellow in Music

Concerto for cimbalom and chamber ensemble & continued work on his chamber opera, From the Field

Stark will be working on two projects: a concerto for cimbalom and chamber ensemble commissioned by Chester Englander and the Cleveland-based No Exit New Music Ensemble, and his chamber opera, From the Field, which depicts the work of American photographer Dorothea Lange and links it with today’s climate crisis as well as John Wesley Powell’s 19th-century warning about water usage in the American West.

Stark lavorerà a due progetti. Il primo è un concerto per cimbalo e ensemble da camera commissionato da Chester Englander e No Exit New Music Ensemble di Cleveland. Il secondo è un’opera da camera intitolata From the Field, che descrive il lavoro della fotografa americana Dorothea Lange mettendolo in relazione con l’odierna emergenza climatica e gli avvertimenti che nel diciannovesimo secolo John Wesley Powell lanciava sull’utilizzo dell’acqua nell’America dell’Est.

Photo Joey Stocks

Winter Miller – Playwright – United States

Occupy Miller

Occupy Miller begins when a troupe of actors rehearsing their roles in The Crucible uncovers the play’s racism, misogyny, and fact-bending of the Salem Witch Trials. At a crossroads, the actors write a new play, an alt-Salem, 1692. Winter Miller’s play within a play within a play reframes a wildly misinterpreted moment in history still used to justify the mistrust and silencing of women—because of those lying girls. The work excavates the untold stories behind the claims of Witch Hunt!

Occupy Miller inizia quando una troupe di attori che provano i loro ruoli nel dramma The Crucible di Arthur Miller scoprono il contenuto razzista, misogino e dissimulatore dei fatti realmente accaduti nel corso del processo alle streghe di Salem. Trovandosi ad un bivio, gli attori decidono di scrivere un nuovo testo, un anti Salem 1692. La piece teatrale di Winter Miller contiene un'altra piece che ne contiene unˈaltra ancora, che riformula un momento storico completamente frainteso e ancor oggi utilizzato per giustificare la sfiducia nelle donne e il volerle zittire – a causa di quelle bugiarde. Il lavoro scava nelle storie mai raccontate dietro alla accuse della Caccia alle streghe.

Arley Ospina Navas – Director/Dramaturge/ Professor of Theater, Universidad Distrital Francisco José de Caldas, ASAB. Bogotá – Colombia

The Flapping Of The Hummingbird

Arley Ospina Navas will use poetry to explore the 1970´s violence in Colombia in three tragic acts. Written as a monologue, the story takes place in an uninhabited and sterile place, where the only thing left is the smell of gunpowder and burnt land. The character is an old man who wanders the “land that is already not mine”, becoming a child, hurt by a “quiebrapatas” mine when he tried to catch a hummingbird to take it to his mother’s tomb. The flap of the body, the scar, the hurt.

Arley Ospina Navas utilizzerà la poesia per esplorare la violenza degli anni '70 in Colombia con un dramma in tre atti. Scritta come monologo, la storia si svolge in un luogo inabitato e sterile dove l’unica cosa rimasta sembra essere l’odore della polvere da sparo e della terra bruciata. Il protagonista, un uomo anziano, vaga per questa "terra che già non è più mia", ritornando bambino, ferito da una mina “quiebra-patas” mentre cercava di catturare un colibrì da portare sulla tomba della madre. Lembo del corpo, cicatrice, ferita.

Harrison David Rivers – Playwright – United States

Then Sings My Soul

Then Sings My Soul is a play about a gay black man who, completely undone by the state of America–an America where black bodies are being cut down with alarming frequency–runs away. Inspired by James Baldwin’s experiences in Paris in the 1940s, the play explores expatriatism today and the lessons one can only learn about oneself and one’s country while abroad.

Then Sings My Soul è un dramma che narra la storia di un uomo omosessuale di colore che, completamente distrutto dalla situazione esistente in America–un' America in cui la gente di colore viene fatta a pezzi con allarmante frequenza– decide di fuggire. Ispirato alle esperienze vissute da James Baldwin a Parigi negli anni ˈ40, il dramma vuole approfondire il problema degli espatriati d’oggi e le lezioni che si possono imparare su noi stessi e sulla nostra patria quando ci si è lontani.

Theodora Skipitares – Theater Director, Associate Professor, Department of Art and Design Education, Pratt Institute – Greece/United States

The Life of Benjamin Banneker: A Parade

Theodora Skipitares will work on The Life of Benjamin Banneker: A Parade, an outdoor, nighttime pageant to take place in Brooklyn in 2021. The parade is a traveling performance set on seven flatbed trucks featuring a marching band, 12-foot puppet figures, shadow puppetry, and moving projection screens. During her residency, she will visit Viareggio to witness the renowned Carnevale and to research parade histories and techniques.

Theodora Skipirates lavorerà a The Life of Benjamin Banneker: A Parade. Si tratta di uno spettacolo itinerante notturno all’aperto che si terrà a Brooklyn nel 2021. La parata è una performance itinerante composta da sette camion con pianale, una banda musicale, marionette alte tre metri e mezzo, ombre cinesi e schermi di proiezione semoventi. Nel corso della residenza si recherà a Viareggio per assistere al famoso Carnevale e per studiare la storia delle parate e le varie tecniche utilizzate.

Meghana Bisineer – Visual Artist, Assistant Professor of Animation and Graduate Fine Arts California College of the Arts – India/United Kingdom/United States

Still Shifting

Bisineer’s work investigates human complexities, questions around identity and representation, foreignness and migration; how one negotiates the space between transience and stillness. Still Shifting is an animation film installation: a physical and conceptual vortex, which at its very heart has her personal experiences of traversing memory and landscapes as they are projected and reflected onto the current realities of recurring natural disasters, climate change, and the global rise of neo-liberal, national, and right-wing populism.

Il lavoro di Bisineer approfondisce le complessità umane, i quesiti intorno ai concetti di identità e rappresentazione, estraneità e migrazione; come si affronta lo spazio tra la transitorietà e la immobilità. Still Shifting consiste nell’installazione di un film di animazione: un vortice concettuale e fisico, che ha al suo nucleo la sua esperienza personale di percorrere ricordi e paesaggi così come sono proiettati e si riflettono sulla realtà contemporanea dei periodici disastri naturali, del cambiamento climatico e della nuova rinascita neo-liberale, nazionalista, populista di destra.

Angela Ellsworth – Associate Professor, School of Art, Herberger Institute, Arizona State University – United States

Plural Wife Project: Moving in Stillness

Angela Ellsworth expands her creative research in the Plural Wife Project, from the invisibility of women within religious institutions (specifically Mormonism) to the invisibility of female artists and spiritualists of the 19th century. Inspired by artists Agnes Pelton, Hilma af Klint, and Emma Kunz, her new work consists of sculptures, paintings, and drawings based on occult practices, sacred geometries, and "magical" instruments for perceiving the world in a new way.

Angela Ellsworth intende ampliare la sua ricerca creativa Plural Wife Project: dall'invisibilità delle donne all'interno delle istituzioni religiose (in particolare nel Mormonismo) all'invisibilità delle donne artiste e spiritiste del XIX secolo. Ispirato agli artisti Agnes Pelton, Hilma af Klint ed Emma Kunz, il suo nuovo lavoro consiste in sculture, dipinti e disegni basati su pratiche occulte, sulla geometrie sacra e su strumenti "magici" per percepire il mondo in un modo nuovo.

Tamar Sheaffer – Visual Artist – Israel

Untitled

Tamar Sheaffer will work on a series of color pencil drawings on paper, thus continuing drawings on plywood she began in 2019. By creating imaginary places she calls “mental environments”, she tries to reflect cultural and social changes she believes to be caused by technological evolution. She draws hybrid entities inspired by the notion of man today as an entity connected technologically to people, data, machines, etc. and also by her feeling that previously well-defined categories now blur.

Tamar Sheaffer eseguirà una serie di disegni su carta con matite colorate e proseguirà la serie di disegni su legno compensato che ha iniziato nel 2019. Attraverso la creazione di luoghi immaginari che lei definisce "ambientazioni mentali", Sheaffer cerca di esprimere i cambiamenti socio-culturali che ritiene causati dall’evoluzione tecnologica. Prendono così forma entità ibride ispirate dal concetto di uomo contemporaneo quale entità connessa tecnologicamente a persone, dati, macchine, ecc., nonchè dalla sua sensazione che categorie precedentemente ben definite ora risultano sfocate.

Deborah Zlotsky – Visual Artist/Associate Professor, Rhode Island School of Design – United States

Non-sequitur

Deborah Zlotsky uses a syntax of shapes, stripes, planes, and delicate trompe l’oeil structures to create paintings that are both convergences and non-sequiturs. The artist is interested in working between intention and coincidence in a process that mirrors the daily processing and deciphering required to be in the world. At the Bogliasco Foundation, she will develop a series of gouache paintings.

Deborah Zlotsky utilizza una sintassi di forme, strisce, piani e delicate strutture di trompe l'oeil per eseguire i suoi dipinti che rappresentano al tempo una convergenza e un non sequitor (un errore di ragionamento/striscia). L’artista cerca di lavorare in bilico tra l’intenzione e la coincidenza in un processo che rispecchia il nostro quotidiano lavoro di interpretazione necessario per vivere. A Bogliasco realizzerà una serie di gouache.